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Théâtre

Théâtre

L'art théâtral est une synthèse de plusieurs arts à la fois - littérature, chorégraphie, musique. Ces performances qui sont mises en scène aujourd'hui sur scène, nos ancêtres ne les comprendraient tout simplement pas.

Il n'y a pas si longtemps, une discussion a commencé dans la société russe sur la place que le théâtre occupe dans la vie moderne. Il est entouré de mythes, que nous tenterons de corriger.

Vous ne pouvez pas insulter les sentiments du public. Le but du créateur est de réviser constamment les normes de ce qui est permis, tant dans l'art que dans la société. L'avant-garde a toujours été au bord de la normale, cela est considéré comme une sorte de comportement déviant. Les lois adoptées dans la littérature, la peinture et le théâtre suscitent souvent des doutes chez quelqu'un. Il y a toujours eu des gens qui ne partageaient pas les concepts et la moralité généralement acceptés. Le développement de l'art a donc toujours présupposé la présence de spectateurs offensés. Si le spectacle montre l'image du monde qui est familière aux gens, alors c'est déjà une culture de masse. Mais ce n'est pas mal non plus.

L'État ne devrait pas payer pour des expériences théâtrales. On a déjà dit que les expériences sur le théâtre sont bénéfiques pour la société. Cela permet aux gens d'être plus tolérants envers les dissidents. Si un tel argument ne semble pas convaincant, il vaut la peine de se demander pourquoi un théâtre moderne, comme le Centre Gogol ou le Théâtre des Nations, est bien fréquenté. Le jeune réalisateur russe Konstantin Bogomolov, qui voit les classiques d'une manière originale, va se vendre. Les billets pour les représentations de l'Allemand Thomas Ostermeier sont vendus instantanément. Et si l'État assume les fonctions d'éveil culturel de ses citoyens, pourquoi cette partie réelle du théâtre devrait-elle être ignorée?

Le metteur en scène ne doit pas s'exprimer au théâtre. Le métier même de metteur en scène, tel que nous le connaissons aujourd'hui, a émergé entre le XIXe et le XXe siècle. Auparavant, les tendances théâtrales étaient formées par les dramaturges, moins souvent les acteurs apportaient leurs visions. Mais au XXe siècle, le théâtre est devenu le fief des metteurs en scène. Dans le même temps, il convient de rappeler la contribution des représentants d'autres professions, car l'art est toujours collectif. En Russie, au cours des 10 à 20 dernières années, la tendance principale est devenue le nouveau drame. Son influence a façonné une toute nouvelle génération de réalisateurs - Kirill Serebrennikov, Dmitry Volkostrelov, Ivan Vyrypaev, Philip Grigoryan.

Les professionnels travaillent selon des schémas classiques et seuls les amateurs peuvent expérimenter. Il existe un effet "carré noir" bien connu. La technique de l'artiste semble simple, le spectateur estime que le travail a été réalisé simplement et sans effort. Habituellement, ces œuvres sont un défi au thème de l'art, contrairement à nos idées traditionnelles. L'auteur d'une telle expérience doit donc d'abord comprendre contre quoi, en fait, il va protester. Et il est probable qu'un tel artiste soit capable de créer des choses traditionnelles. Ainsi, le jeune réalisateur russe le plus populaire Dmitry Volkostrelov travaille entre le théâtre et l'art contemporain. Il demande à ses acteurs de ne pas jouer avec l'intonation, mais de livrer le texte d'une voix neutre. Mais parfois, des épisodes de jeu apparaissent dans les performances, à la recherche desquels on ne peut pas dire que le réalisateur est un amateur et ne sait pas travailler avec des acteurs.

Les critiques et les festivals travaillent pour le théâtre radical. Ce mythe est réfuté par le succès des réalisateurs, qui ont déjà le statut de classiques vivants: Lev Dodin, Petr Fomenko, Sergei Zhenovach. Ces artistes ne sont pas offensés par les récompenses, les nominations et les critiques brillantes. Les performances plairont plutôt à un public conservateur, mais l'essentiel, bien sûr, n'est pas de s'écarter des expériences. Les metteurs en scène, tout en respectant la tradition, produisent des performances vivantes et contemporaines.

Le public est trompé: il va aux classiques, mais obtient la lecture du réalisateur. Il n'y a pas de telles performances mises en scène exactement selon l'idée de l'auteur. Même ces premières représentations, déjà classiques, des pièces de Tchekhov au Théâtre d'art ont soulevé de nombreuses questions de la part du dramaturge lui-même. Mais c'est alors que l'image du drame connue aujourd'hui est apparue. Il ne sert à rien d'étudier la littérature classique sur les représentations théâtrales. Vous devez lire des livres vous-même. «Dead Souls» dans le théâtre moderne n'aura pas grand-chose en commun avec l'image classique établie de l'œuvre de Gogol. Les seules exceptions peuvent être considérées comme des performances mises en scène par les dramaturges eux-mêmes, et même alors, non sans convention. Le théâtre d'Ivan Vyrypaev attire l'attention sur cet aspect. Il choisit ses propres pièces, qu'il appelle «textes pour la performance». Ces œuvres sont créées pour la décision d'un certain réalisateur.

Les réalisateurs modernes ne comprennent même pas ce que l'auteur a écrit ou ne veulent pas le savoir. Il est difficile de trouver un réalisateur qui, de sa propre initiative, travaille avec l'œuvre d'un auteur qui ne l'intéresse pas. On peut voir un décalage significatif entre les performances et les images classiques de Gogol, Tchekhov et Pouchkine. Mais le choix du matériau est basé sur une analyse complexe, et pas seulement sur des spéculations sur les classiques. Dans le scandaleux "Tannhäuser" de Wagner, le réalisateur Timofey Kulyabin a attiré l'attention sur le conflit entre la culture ancienne et son amour pour le corps et l'amour corporel, et le christianisme. Là, ils ont longtemps appris à renoncer à la chair. La production était basée sur cela. Le personnage principal est un cinéaste qui tourne un film scandaleux. Là, Jésus, figure centrale de la foi, entre dans une histoire d'amour avec l'ancienne déesse de l'amour Vénus. Dans le livret du premier Tannhäuser, ce conflit peut être trouvé, simplement sous une forme voilée. Le réalisateur a tenté de le montrer, réfléchissant au message de l'auteur.

Les cinéastes utilisent délibérément des symboles religieux dans le but de ridiculiser les sentiments des croyants. La religion fournit à tous ses symboles, images ou textes une sorte d'instruction explicative. Et si un artiste séculier dans son interprétation s'écarte de ce document, cela ne signifie pas du tout une insulte délibérée aux sentiments des croyants. La religion est une partie importante de la culture moderne. Son phénomène intéresse non seulement les représentants d'une certaine confession. Dans la culture séculière, y compris au théâtre, il y a toujours eu, il y a et il y aura toujours des images qui remontent à la religion, mais vues de l'autre côté.

Le théâtre ne voit que des sujets scandaleux en politique et en religion. On pense généralement que les écrivains et les poètes, en particulier les classiques, savent tout sur la vie spirituelle et sociale de la société. La littérature a toujours une autorité intouchable. Mais le théâtre n'est pas considéré comme complet en termes de perception de la vie. Il semble inapproprié de parler de religion et de politique là-bas, car ce sont des sujets sérieux. Ceux qui le pensent devraient regarder la pièce de Kirill Serebrennikov «(M) student». La production révèle avec brio le phénomène du fondamentalisme religieux, examine l'état de la société russe. Il peut même sympathiser avec l'extrémiste et transférera progressivement les «trop intelligents» dans un État marginalisé.

Le théâtre doit enseigner et éduquer le spectateur. Quel genre d'adulte veut être élevé? Pourquoi penser que le dramaturge, le réalisateur et les acteurs sont forcément plus intelligents et plus expérimentés que le public? Quand quelqu'un est instruit ou condamné de la scène, agissant comme un prédicateur ou une victime, cela indique le début d'une grave crise de créativité. L'art réel n'est pas une leçon et une instillation de valeurs, mais une communication égale entre auteurs et spectateurs.


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